「名和晃平ーシンセシス」展 (Kohei Nawa ‒ SYNTHESIS)

（ものすごく久しぶりにブログを書いてます。
でも美術館には頻繁とは言えないけど行ってます。）

本日最終日だった「名和晃平ーシンセシス」展に行って参りました。
チケットカウンターは１５分待ちになってましたが、
その後は割とゆっくり鑑賞できました。

しかも、生で作品づくりを鑑賞できちゃいました
（最終日にやるのも不思議な感じですが）

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展覧会の入り口で、「１周目はそのままご覧ください」みたいなかんじに
美術館の方がアナウンスされていてたので
手ぶらで入り口の「１．CATALYST」から「２．PRISM」に移動
（番号は最後の部屋を出た時にもらえるマップに載っているものです）

今回２周しなかったのですが、手ぶらで歩いて面白かったのは、
２．PRISMから６．VILLUSのところ。
特に２→３と作品を見て、「実際（ここに）ある」って何なのか、
自分の感じる作品の物理的な重みってどこからきてるのか、
というのを考えさせられました。

２．PRISMには下の写真と同じタイプの作品で、
アクリルボックスのようなものを覗くとサボテンやフランスパン、スニーカーが浮かび上がる作品がありました。

（展覧会のHPから）PixCell[Zebra#2]　2009

Photo: Seiji Toyonaga

最初はそのボックスの中にパンとかが存在しているのか曖昧で、
半信半疑で色々な角度から観察
（そしてパンとか観ている最中に他の人が写る・・・）
しばらくするとボックスの中には「パン」とか「スニーカー」という実体は存在しない
とわかってくる
（でもここですっきりしないのもこの作品のポイントなのかもしれない。
ジェフ・クーンズやデミアン・ハーストの作品なら、「なんでこんな物が入れられてるの？？」（牛やらバスケットボールやら・・・）になるところ、今回の作品は、「本当にここにあるの？」がポイントになる点でおもしろい）


これらのプリズムシートの作品を鑑賞し、
なんだかすっきりしない中次の部屋へ。

そして現れるのが展覧会のポスターにもなっている
ビーズで覆われた鹿の作品たち

（展覧会のHPから）PixCell-Elk#2　2009

Photo: Seiji Toyonaga

なぜかリアリティを感じる

表面はビーズで覆われてしまい、その表皮の下にあるもを直接観察することはできないのに。
ビーズをのぞき込んで、その澄んだビーズの向こう側にあるのは剥製の、実体のある鹿なんだという実感がある。
一本一本の毛はプリズムシートの創る虚構なんかじゃない

では、パンは「なかった」といえるのか。
とりあえず、私の脳は「食べられる（カビが生えてるかもしれない）パン」は
ここにはないと判断しました。
でも「パン」というものは知覚していたわけで、
ある意味パンはそこにあったのですね。


シンセシスとは・・・？

展覧会HPの概要に、

「名和は「映像の細胞PixCell＝Pixel（画素）＋Cell（細胞・器）」という概念を通して、感性と物質の交流の中から生じてくるイメージを追求しています。」

と述べられていますが、
私たちが最終的に知覚しているものは、単に目に映ったものではなく、
自分の中にある様々なフィルターみたいなものを通してできあがった
作品なんですね。

パンがそこに「ある」かどうかは別として・・・

ピカソが$106.5 millionで美術品の史上最高額更新

５月４日にNYのクリスティーズで行われたオークションで、ピカソのNude, Green Leaves and Bust （「ヌード、観葉植物と胸像」1932年作）が$106,482,500（$1=94円換算だと約100億円）の値をつけ、オークションで取引された美術品では至上最高額のものとなったようです。
下の写真が今回落札された絵画です

© 2010 Estate of Pablo Picasso / Artists Right Society (ARS), New York

予想落札価格は7000万～9000万ドルだったようで、アジア、アメリカ、ヨーロッパ（旧ソビエト連邦含む）から少なくとも８人の入札者がいたということです。誰が落札したのかはもちろんわかりません！

作品はアート・パトロンでロサンジェルスに住んでいたフランシス・ブロディの遺産で、もとは1951年にNYのギャラリーから当時の価格で$19,800で購入したもののようです（現在でいうと約$166,000。日本円で約1560万円[94円換算]）。 今回のオークションにはブラックやジャコメッティの作品等もありました


ちなみに、この油彩に描かれているのはは２２歳の愛人マリーテレーズ・ワルテル（ピカソはこの時５０歳）。２人の出会いはパリのデパート、Galeries Lafayetteで、当時彼女はまだ１７歳だったそうです。
今回落札された作品が作られた1932年には彼女をモデルとした絵を多数描いています。スタイルも様々で、ニューヨーク近代美術館にあるGirl Before a Mirrorも9132年に彼女をモデルにして描かれたものです

Picasso Carries Christie's to a Record
Picasso sets record sale price
On-line Picasso Project

日曜美術館(4/25) 夢の北斎 傑作10選 part.2

前回の日曜美術館(4/25) 夢の北斎 傑作10選 part.1に続いて葛飾北斎です

北斎を読んでみる

私が北斎の絵を見てすごいと思うのはやはり画面の構成。
（そしてそこから読み取れる対比と解釈）
実際あんな大波に北斎が揺られていたわけはないでしょうから、実際の景色を見つつも彼の想像力（と鍛錬！）でこれだけ記憶に残る作品を作り上げた北斎には脱帽

「冨嶽三十六景 神奈川沖浪裏」1830年頃

代表作『神奈川沖浪裏』ですが、ここに描かれているのものは大波、富士山、押送り船(と人)に絞られており、特に波が画面左の大半を占め、その勢いと大きさは圧巻です。また、全てを掻き込むような波頭の描写と波に飲み込まれそうな船や波に従うしかない他の船の対比が、さらに波の荒々しさと雄大さを強調します。もっといえば、波という大自然と前に進もうと抗い、また時に波のなすがままに漂う人間の対比ともいえます

富士山ですが、大波と比べて画面の中ではあまりスペースが与えられていません。でも何故か目線は富士にもっていかれますよね。線を引きたくなる絵でも紹介されているように、『神奈川沖浪裏』では波頭が作る線が導線となって目線が富士にいくようになっています。また、カーブを付けて大波を描き、包み込むような円形スペースが出来る事によって、その空間に突き出た富士の存在感が一層際立ちます。

さらに、この画の中で空として扱われている背景が富士山のもつ神秘性をも醸し出し、ある意味富士と一体化しています。それによって猛々しく動的な波と神秘的で静的な富士との強いコントラストを作り出しています。

富士山自体は小さいのに目で見た以上にその存在感が頭の中で強調されるのはこのような理由からだと思います

名前は何十回も変え、様々な画法を吸収して９０歳まで描き続けた北斎。

伝統的ともいえる余白の美に加え、北斎独特の波頭の細かい描写に計算された構図。あらゆるものを一つにまとめあげ、北斎の表現が一枚に凝縮された「冨嶽三十六景 神奈川沖浪裏」には感嘆です。

個人的にはさらに富士は不動、不死、波と人は世俗の移り変わりのを表すなんて、仏教的な解釈もできるんじゃないかと思います。

下の絵は番組内で『北斎漫画』の組み合っている図案が使われたとして比較されていたゴーギャンによる『説教のあとの幻影』です。印象派的な作品からの離別と彼独自のシンボリズム、独特の色の配置で高く評価されている作品で、画面を斜めに隔てる木によって天使とヤコブのいる幻影の世界とブルトン人の女達が祈る世俗の世界が表されています。

この神秘的な領域と世俗という２つの世界を表しているという解釈が『神奈川沖浪裏』の大波と富士のコントラストに通じるところがあるのではと思ったりします。

（ちなみにこの画面を斜めに横断する木の構図は歌川広重の『名所江戸百景 亀戸梅屋舗』からヒントを得ているようです）

Paul Gauguin. La vision après le sermon [説教のあとの幻影]. 1888年

関連リンク：

日曜美術館｜夢の北斎 傑作１０選

日経ビジネス オンライン｜カオスを描いた北斎の謎

「90歳の生涯で膨大な作品を残した葛飾北斎。驚くべき体力と精神力の持ち主であった彼は、70歳を過ぎてから代表作『富嶽三十六景』シリーズを制作し、その後、長野県・小布施を訪れて、宇宙の混沌（カオス）を描いたかのような傑作を80代半ばに完成させた。なぜ北斎はカオスを描いたのか。『富嶽三十六景』の制作の頃から追って、その謎の真相に迫る。」

葛飾北斎《冨嶽三十六景「神奈川沖浪裏」》─線を引きたくなる絵「大久保純一」

(＊番組内でやっていた画面の構図分析みたいな図もみれます)

日曜美術館(4/25) 夢の北斎 傑作10選 part.1

今も昔も海外で一番有名な日本人アーティストといえば、葛飾北斎でしょう。歌川広重も勿論有名ですが、海外でも『冨嶽三十六景 神奈川沖浪裏』はポスターとして人気があるので、多分北斎の名前が出てこなくても「フジヤマと波(big wave)の絵」の制作者でわかる人もけっこういるんじゃないかと思います

そんな北斎がNHKの日曜美術館に登場
（私、北斎ってあんなに多産で多様な作品を残した方だって知りませんでした。）

いろんな作品が紹介されていましたが、やはり代表作『冨嶽三十六景 神奈川沖浪裏』は構成、波頭の形等興味深い点がたくさんありますし、北斎の最高傑作というに相応しい作品だと思います

富士山と北斎

古代から日本には山岳信仰がありますが、江戸時代後期には富士信仰の一派である富士講が大流行したようで、江戸では「江戸八百八講、講中八万人」などと言われていたようです。また神社参詣も盛んになり、庶民も伊勢神宮に詣でる御蔭参りだなんだと理由をつけて旅行に出ていたので途中富士を間近でみることもあったでしょう。
（新詳日本史によると1830年には約500万人もの人が御蔭参りにいったとか...すごい数！）

これだけ富士山がもてはやされていた時ですから、北斎もそれに便乗したとも考えられますが、生涯絵師として精進し続けた北斎にとっては単に人気のある題材というだけでなくもっと精神的重要性があったのかもしれません。
（北斎と妙見信仰については「カオスを描いた北斎の謎　第20回 北極星から取った北斎の号 - 方位、方角を尊び守る妙見信仰に基づいた命名」で触れられています）

「冨嶽三十六景 神奈川沖浪裏」とその他の作品

下はカオスを描いた北斎の謎で紹介されている「おしおくりはとうつうせんのづ」です。画面左に大きく描かれた大波の構図なんかは『神奈川沖浪裏』を彷彿とさせるものがありますが、これには富士は描かれていません。また、内田氏の言うように波はまるで蛤の化け物の様です

「おしおくりはとうつうせんのづ」
東京国立博物館蔵. 1800年（もしくは1804年）

『冨嶽百景』二編9丁より「海上の不二」. 二編は1835年刊行

『冨嶽三十六景』の初版は1823年頃に制作が始まり、1833年頃頃完結しているので図案ができたのは『海上の不二』の方が『神奈川沖浪裏』より後なのかもしれません。

「冨嶽三十六景 神奈川沖浪裏」1830年頃

続きは日曜美術館(4/25) 夢の北斎 傑作10選 part.2で

関連リンク：

日曜美術館｜夢の北斎 傑作１０選

日経ビジネス オンライン｜カオスを描いた北斎の謎
「90歳の生涯で膨大な作品を残した葛飾北斎。驚くべき体力と精神力の持ち主であった彼は、70歳を過ぎてから代表作『富嶽三十六景』シリーズを制作し、その後、長野県・小布施を訪れて、宇宙の混沌（カオス）を描いたかのような傑作を80代半ばに完成させた。なぜ北斎はカオスを描いたのか。『富嶽三十六景』の制作の頃から追って、その謎の真相に迫る。」

葛飾北斎《冨嶽三十六景「神奈川沖浪裏」》─線を引きたくなる絵「大久保純一」
(＊番組内でやっていた画面の構図分析みたいな図もみれます)

花：サルバドール・ダリ vs 北野 武／ビートたけし

昨日、本屋でFIGARO(2010年6号)を立ち読みしていたら、今パリのカルティエ財団で行われている北野 武/ビートたけし展「Gosse de peintre - 絵描き小僧」の特集が載っていました。

作品も何点か紹介されていたのですが、その中にちょっと気になる１点が

それは真っ青な背景に、ピンク色で柄入りの着物を着た女性が立っている絵
（時代考証とかはできないのですが、被布の長いのを着たようなカンジです。だから江戸時代だと勝手に推測）

ここまでは普通なんですが、頭が百合の花なのです

そこで浮かんだのがサルバドール・ダリのこの作品↓

1973作、無題（花の頭を持つ女人像）
[Untitled (Female Figure With Head of Flowers)]

体が変形していたり、奇妙な世界観をもつダリ作品にしてはおとなしい部類のものですよね。（でも花を単に愛でるものと考えたら、まるで女性を見るだけのモノとして描いているとも言えます。）

この作品の背景を見るとラフスケッチで終わってしまっている部分もあり、完成したものなのか疑問なところもありますが、この構図が北野作品にすごく似ているのです。本当に北野作品の画像がないのが惜しい！書店でチェックしてみてください！！


北野氏自身は会見で、
「...一番正直に、自分がこの楽しいと思うことを、皆さんと共有したいということで作ったわけで、もう裏に背景とか、このオブジェがどういうものを意味するかって大抵皆さんは聞きたいと思いますが、えー答えはないですから。...」と言ってます

答えはない、でも解釈は自由。
だからこの百合頭の女性とか気になっちゃうんですよね
キリスト教の絵画で白百合は受胎告知の時にガブリエルがよく持っていてるアイテムで、この場合はマリアの処女性を象徴するもの。何を考えながら描いていたんでしょう？


ちなみに「いいなと思う作品（影響を受けたわけではない[本人談]）」に上げられているのは印象派、マティス、ピカソ、モンドリアン、カンディンスキーでした

色に関して影響をうけたのは「ペンキ屋であるうちのオヤジ」だそうです！


カルティエ財団｜北野 武/ビートたけし展「Gosse de peintre - 絵描き小僧」
（インタービューと写真のページがあります）

Yoshihiro Suda: In Focus @ Asia Society

既に終わっている展覧会を紹介することになってしまうのですが、
この間「アートフェア東京2010 - 雑草編」で書いた須田悦弘さんがニューヨークにあるAsia Societyで２月まで個展をやっていました。

Yoshihiro Suda: In Focus

丁度そのページにインタビューが載っていたのでリンクを貼っておきます。
作品制作から構想等色々なことを話されているので、作品について更に知りたい方は是非読んでみてください
Telephone interview with Yoshihiro Suda
（インタービューは全て英語となってます。あしからず。）

こないだのアートフェアでもらったPalais de Tokyoで展覧会をした時のパンフレット（仏語は読めないので翻訳ソフト使用）のインタビューとこれを読んで、ほんとに色々な視点で鑑賞できることがわかり興奮しております

例えば、この間のエントリーでも紹介した雑草の作品ですが、彼は2006年に丸亀市猪熊弦一郎現代美術館で１０８の「雑草」を設置したそうです。１０８と言えば除夜の鐘の数。あの鐘をつくことによって百八煩悩を一つ一つ吹き消す意味があるそうですですが、さて雑草に置き換えて考えると？

また、作品の一つに朝顔の花がありますが、これはPalais de Tokyoのパンフレットによると千利休の「朝顔の茶会」から発想を得たそうです。この茶会のエピソードというのは、千利休が秀吉に朝顔が咲いているからと招待したのに、秀吉が行ってみれば庭には一輪も咲いていない。茶室に入ってみると、朝顔が一輪だけ生けてあり、秀吉が感嘆したというものです。
（Yoshihiro Suda, Morning Glory. 2007. Painted wood. Installation view at Galeria Fortes Vilaça, Sao Paulo）

アートは知れば知るほど楽しい
数分美術館の作品の前で「見る」だけでなく、様々な角度から考察してみるとより深く作品を楽しめると思います

私がアメリカで西洋美術史のクラスをとった時、一番始めの授業で教授が示した美術[史]を読む上で重要なことは以下の４つでした

contents（内容：何がこの作品に含まれているのか、また材料や技法）
intents（意図：何故この作品が作られたのか、何故この材料や技法なのか）
contexts（文脈：歴史的なものを含め、どのような流れがあるか）
critical/aesthetic reception（評論的/美学的感受能力：根本的な題材とは）

ま、たアーティスト、作品、材料、スタイル、後援者、鑑賞者のもつ多様性と複雑性を正しくとらえ、評価していくことも重要ということでした

いろいろな鑑賞の仕方はあると思いますが、その教授流に言うと、作品は事件現場みたいなもので、それを精査していくのがアート鑑賞といえる、なんて言っておりました（ちなみに彼は１８世紀イギリス美術史の専門家です）


最後に、前回の雑草編に続きちょっと批評もどきでもしようと思っていたのですが、能楽とか日本の伝統芸能の絡めて書こうと思ったら原書を読まないと...となって、途中でストップしてしまいました。

それではこの辺で・・・

「作品にお手を触れないで下さい」@MoMA

美術館にいったらよく見るこのラベル。

子供なんて連れていった日には、作品に触らないか心配する親御さんもいるのでは？
（私は大学の友達が作品に触れてビックリしたことがあります。もちろん監視員の人に注意されてました。不幸中の幸いと言えばその作品が金属のプレートであったことでしょうか。水彩とかだったら...）

まー当たり前といったかんじなのですが、以前紹介したニューヨーク現代美術館で現在行われているマリーナ・アブラモヴィッチの展覧会ではどうも「作品にお手を触れないで下さい」というルールを守らない方が意外といるようで、ニューヨーク・タイムズ紙の記事になってしまいました

マリーナ・アブラモヴィッチさんというのはパフォーマンス・アート界の女帝とでもいったらいいのでしょうか。
今回MoMAで行われている大規模回顧展では彼女が過去に行ったパフォーマンスを他の選ばれたアーティスト達も披露しているのですが、中には裸で行っている作品もあります

Imponderabiliaという裸の男女の間を鑑賞者が通る作品にかこつけてパフォーマーに故意に触る不届きな行いをする人もいるそうです。記事には肋骨のあたりを触って、最後にはお尻の方まで手を出してしまった大胆不敵な輩の事がかかれています。仕舞には30年のメンバーシップを剥奪され出入り禁止になった話まで...。警察に突き出されなかっただけ幸い？

そんな不快な想いもする中でも、パフォーマーの方達は普段演劇等本職の方では得られない貴重な体験をしているようです。
美術館というステージと観客席という隔たりのない空間、しかも声を発して何かを訴えるわけでもなく、動く事もないパフォーマンス。彼らは鑑賞者の前に晒されることで危うい立場にもなり、同時にその強さをも放つ。

GWでニューヨークに行かれる方は是非MoMAに行ってみてください！

©Suzanne DeChillo/The New York Times
A performer in “Marina Abramovic: The Artist is Present” at the Museum of Modern Art.

MoMA｜Marina Abramović: The Artist Is Present

ネタ元：ニューヨーク・タイムズ
Some at MoMA Show Forget ‘Look but Don’t Touch’